por JUDITH FATHALLAH – Universidad de Lancaster
My Chemical Romance, la banda alternativa principal de los años 2000, hizo un regreso triunfal en 2022 con nueva música y una reunión para una gira mundial. También estuvo el éxito de Hella Mega Tour con Fall Out Boy, Weezer y Green Day llenando estadios en los Estados Unidos y el Reino Unido. Y abundan las promesas de más reuniones emo para 2023, más recientemente con el anuncio de una extensa gira de regreso de Paramore (la líder Hayley Williams también presentó el podcast Everything Is Emo para BBC Sounds a principios de este año). No es de extrañar, entonces, que varios medios de música decidieran saludar el 2022 como un “renacimiento emo”.
Un coro de comentaristas de Internet se apresuraron a explicar que My Chemical Romance no es emo, que el emo está muerto, que el emo solo vivió en un puñado de sótanos de Washington DC a fines de la década de 1980, y que todo lo que sucedió en la música desde entonces es simplemente degeneración corporativa consumida por niñas de trece años que nunca escucharon hablar de The Promise Ring.
Como experta en estudios culturales y medios, exploré esta tensión en mi libro Emo: How Fans Defined a Subculture, que argumenta que los géneros musicales son construcciones creadas culturalmente, siempre en lucha y cambio. Esto ha sido oscurecido por el compromiso relativamente tardío de la musicología (el estudio de la música) con las perspectivas de los estudios culturales, a diferencia de la literatura inglesa o las artes visuales.
Cuando la musicóloga Susan McClary publicó Feminine Endings en 1991, la idea de que la música era constructiva, no reflexiva, del género seguía siendo un trabajo innovador en el campo de la música, a pesar de que teóricos culturales como Simon Frith y Angela McRobbie habían estado escribiendo sobre el tema desde la década de 1970 Los límites artificiales entre las disciplinas académicas permitieron esto.
Por lo tanto, este artículo viene con un descargo de responsabilidad. Al hablar de un «renacimiento» emo, de ninguna manera estoy reclamando una definición establecida de «emo real», porque no hay ninguna. Tampoco de “música”, por cierto.
¿Qué quiero decir con «emo»?
Por «emo, me refiero a un estilo específico de instrumentación melódica sobre un ritmo de conducción relativamente duro, que ganó popularidad por primera vez a principios de la década de 2000.
El movimiento que vino, un tanto retrospectivamente, a llamarse también emo, era variado tanto en estilo como en composición, pero presentaba ciertos sellos sonoros y visuales. Esto incluía letras confesionales muy elaboradas, títulos largos de canciones polisilábicas y la conjunción de sonidos duros, incluso derivados del thrash, como un coro gritado con pasajes instrumentales mucho más suaves.
El emo tendía a ser más complejo que la confianza en los acordes I, IV y V comunes al punk. Los investigadores Sam de Boise y Sarah Williams también llamaron la atención sobre una «voz emo» distinta: un tenor ligeramente nasal con un empujón diafragmático.
Visualmente, el estilo favorecía el cabello negro alisado, jeans ajustados, camisetas de bandas y zapatillas Converse. Le debía algo al gótico y algo a la cultura punk y skater, con toques luminosos de color que agregaban más que un toque de kitsch tímido.
¿Qué ha provocado el “renacimiento emo”?
Si hay un renacimiento emo, creo que dos de los mismos factores clave que trabajaron para popularizarlo a principios de la década de 2000 son una vez más la causa: la tecnología y la nostalgia.
En parte, es la nostalgia de los treintañeros como yo. Ante una edad adulta económica y ecológica cada vez más peligrosa, estamos repoblando nuestras listas de reproducción de Spotify con la música de nuestra adolescencia. Uno de los nuevos festivales emo se llama, literalmente, When We Were Young: Cuando éramos jóvenes. Poco imaginativos ahí.
Igualmente, el renacimiento se beneficia de la nostalgia de la generación Z (personas nacidas después de 1996) por una juventud que no experimentaron. Esto está sucediendo de la misma manera que el emo de principios de la década de 2000 se remonta con nostalgia a una adolescencia punk de sótanos de la década de 1980 que mis contemporáneos y yo nunca experimentamos.
El emo es un género nostálgico y los tiempos difíciles generan nostalgia tanto real como artificial. La nostalgia es una venta fácil en una economía difícil.
Así como las nuevas normas digitales para la creación, el consumo y la distribución de música fueron un factor en la asimilación del emo a principios de la década de 2000, se debe considerar el dominio de los algoritmos digitales en la forma en que consumimos y compartimos música en la actualidad.
Gen Z tiene acceso instantáneo a todos los catálogos anteriores de artistas emo que están volviendo a la prominencia. Simultáneamente, el fenómeno de fusión de emo rap y SoundCloud emo (donde los artistas emergentes están tomando elementos del género en nuevas direcciones), se muestra a los oyentes a través de funciones de recomendación del servicio de streaming.
Mientras escribo esto, me anticipo nuevamente a las objeciones de que el rap no es emo; ese emo está muerto; que, pase lo que pase en SoundCloud, no es emo; ese emo requiere guitarras.
A un nivel instintivo, lo comparto. Este no es mi emo, no es el emo con el que crecí. Pero, como llegué a la conclusión de escribir un libro, los intentos de controlar la puerta siempre nos llevan a la incoherencia.
Los géneros son constantemente redefinidos por sus audiencias, en un proceso de negociación con la industria musical. Mi generación puede adaptarse y aprender a escuchar nuevos sonidos. O, gracias a los servicios de streaming, podemos mantener los mismos seis o siete álbumes de 2001 a 2009 en repetición durante el resto de nuestras vidas acosadas por la crisis. Spotify es bueno para ese tipo de nostalgia, siempre que pagues por la versión Premium.
El emo está muerto; larga vida al emo.
Fuente: The Conversation/ Traducción: Mara Taylor