La evolución lingüística de Taylor Swift

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por CHI LUU

Con el lanzamiento sorpresa de Folklore en pleno verano, parece que Taylor Swift finalmente sacó un disco independiente mucho más genial que los otros, uno que incluso a un editor de Pitchfork le encantaría. Folklore, aclamado por la crítica, se siente como un álbum acogedor, otoñal, que lleva una chaqueta de punto, centrado en la narración y el recuento de historias de angustia y nostalgia a través del lirismo del lenguaje en el corazón de la composición de Swift.

Parece ser un nuevo paso tentativo hacia una forma de música más moderada y contemplativa, en la carrera de una década de cambio de género de una de las artistas más exitosas, aunque también más criticadas, de esta época. A pesar de los premios y la adoración de los fanáticos, Taylor Swift también es una artista que ha sido acosada por críticas contradictorias, a la vez ridiculizada por revelar demasiado sobre su vida personal en su música, y al mismo tiempo descartada como una estrella pop fabricada e inauténtica.

Hasta hace poco, de hecho, incluso sus seguidores a veces llamaban la atención no sobre su habilidad creativa en la composición de canciones, sino sobre su ética de trabajo o su habilidad para el marketing, como maldiciendo con leves elogios. Si los nuevos sonidos de Folklore son parte de una lucha por la legitimidad musical, el éxito del álbum podría arrojar luz sobre por qué los críticos tardaron tanto en tomar a Swift en serio. ¿Por qué algunos de ellos nunca pueden aceptar que Taylor Swift tenga algo digno que decir?

Quizás la respuesta esté en cómo los hilos dispares del lenguaje, el acento y la imagen pública de autenticidad e identidad se enredan en ese género particularmente confesional que le dio a Taylor Swift su comienzo a la tierna edad de quince años: la música country.

Aunque parece obvio que los músicos, como el resto de nosotros, probablemente disfruten de una variedad de géneros, todavía es una sorpresa cuando pasan con éxito a un tipo diferente de música. Cambiar de estilo, ya sea en la música o en la forma de hablar, puede verse con sospecha, y salirse de la norma puede ser estigmatizado.

El acento en el canto

Taylor Swift, según algunos informes, una nerd de la música, hizo el famoso cambio del country al pop y se llevó muchas de las tradiciones de composición y estilo del country con ella. Esto, naturalmente, influyó en la forma en que ella y su música fueron recibidas por un público más amplio, pero no siempre de manera positiva. Primero estableció una personalidad pública fuerte como una chica real, identificable con un sentido de sí misma en crecimiento y en evolución, que resultó ser una estrella del country. Pero la compleja relación del país con las ideas de realidad, autenticidad e identidad a través de la narración personal fue quizás difícil de traducir al pop moderno, un género aparentemente artificial. Es más, la experiencia vivida, que es fundamental para la composición de canciones de Swift, ahora incluye éxito, riqueza y privilegios. Aunque su narración personal puede parecer muy alejada de lo que muchos de nosotros podemos experimentar, es evidente que hay algo en el corazón de esas historias con lo que todavía podemos relacionarnos.

Lingüísticamente, esta contradicción es evidente en el código de Swift, que cambia de un género musical a otro. El cambio de código ocurre cuando un hablante que se encuentra a caballo entre diferentes comunidades de habla cambia de idiomas, dialectos o incluso acentos estándar o esperados en algunos contextos a otros más marcados en el mismo idioma en otros contextos. Dado que muchos acentos regionales o de clase pueden ser estigmatizados por cosas tan desconocidas como el nivel de educación y la inteligencia (o incluso el potencial de ser un supervillano), puede parecer extraño que la gente cambie de formas de hablar estándar a no estándar, incluso de manera inconsciente. Pero es excepcionalmente común, y lo más curioso es cuando se trata de música.

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Las razones para hacer esto, y las elecciones de cambio de código que hacen los hablantes, casi siempre están motivadas socialmente, según la lingüista Carol Myers-Scotton. El cambio de código es «un acto creativo, parte de la negociación de un rostro público». Es una forma de señalar con qué grupo cultural te identificas, a dónde quieres pertenecer. También puede indicar una interrupción de lo que se considera aceptable y normal, que es, por ejemplo, de lo que se tratan algunos géneros musicales, como el rock’n’roll y el hip-hop.

Muchos lingüistas, como Peter Trudgill, notaron cómo el acento de la música pop moderna es generalmente estadounidense, sin importar de dónde provenga un artista musical. De modo que el acento cockney natural de Adele, cuando habla, se funde en tonos estadounidenses fluidos al cantar, lo que la mayoría de la gente considera normal y corriente. En «Prestige Dialect and the Pop Singer», el lingüista SJ Sackett señala que una especie de acento pseudo-sureño se convirtió en el acento estándar de la música pop de «prestigio», tal vez debido ―más que a pesar de― a su trabajo antisistema, a las asociaciones de clase.

Mientras tanto, grupos de indie rock como Arctic Monkeys, que cantan con su propio acento nativo de Sheffield, pueden parecer más marcados. Sin embargo, elegir cantar contra la corriente musical, con un acento no estándar, puede indicar independencia y autenticidad.

El género de la música country, al diferenciarse del pop, abunda en los acentos regionales más fuertes del sur de Estados Unidos, no solo de nativos como Dolly Parton y Loretta Lynn, sino incluso de una canadiense como Shania Twain o el grupo sueco estadounidense First Aid Kit.

Swift sigue una larga línea de canto de pertenencia. El acento sureño es claramente evidente en sus primeros sencillos, como «Our Song», escrito cuando tenía catorce años, donde se pueden escuchar marcadas características fonéticas del inglés del sur de Estados Unidos desde la primera palabra. El diptongo en el pronombre «I» [aɪ], en » I was riding shotgun», suena más como el monoptongo «ah» [a:]. También existe la falta de «r» rótica en palabras como «car» y «heart», y variaciones gramaticales como la falta de concordancia verbal en «your mama don’t know.». En la penúltima línea, “Cogí un bolígrafo y una servilleta vieja”, se revela la famosa fusión sureña de “alfiler y bolígrafo”, en la que se riman “bolígrafo” y “servilleta”.

En “22”, el sencillo crossover de Swift, el género es puro pop, pero el acento sureño sigue siendo una fuerza a tener en cuenta: la «e» de «veinte» suena más como «twinny» y el «dos» suena más como » tew». Sin embargo, ya sea que el código Swift cambie debido al género musical en el que está cantando, o porque puede que solo haya adquirido su acento después de mudarse al sur cuando era una adolescente, pierde en gran medida los elementos lingüísticos más marcados al hacer la transición a una artista pop, con un acento americano apropiadamente general.

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De hecho, Swift se refiere irónicamente a la rareza del cambio de acento en la desconcertante alineación de sus personajes en el video musical «Look What You Made Me Do». Su personalidad alegre de la música country exclama solo un breve «¡todos ustedes!» (y’all). «Oh, deja de actuar como si fueras tan amable, eres tan falsa», responde otra versión de sí misma.

¿Fingir para tener éxito?

Taylor Swift no es la única acusada de fingir su acento. Las bandas estadounidenses de pop-punk como Green Day fueron acusadas de fingir acentos británicos imitando a los Sex Pistols, al igual que grupos no estadounidenses (como la banda francesa Phoenix) usan acentos estadounidenses durante las actuaciones. El cambio de código en los géneros no es infrecuente y generalmente pasa desapercibido, especialmente si los oyentes nunca tienen la oportunidad de escuchar la voz normal de un artista, a menos que esa voz cante en un nuevo género donde un acento diferente podría ser la norma.

El acento se considera una parte tan integral de la identidad de un hablante que, cuando cambia, puede dar lugar a acusaciones de ser falso e inauténtico, aunque los artistas necesiten evolucionar y crear de nuevas formas. Aunque este podría ser un rasgo deseable en un actor, que transmite las historias de otras personas a través de su propio cuerpo, para un artista que pretende contar su propia experiencia vivida a través de la composición narrativa puede poner en tela de juicio su integridad o intenciones en términos de las sucias necesidades de ganarse la vida.

Este es un factor de complicación, especialmente cuando se trata de música country.

Aaron A. Fox abre su ensayo sobre el discurso de la música country preguntando: «¿La música country es real?» […] Un núcleo único, aunque esquivo, de ‘autenticidad’ tienta a los partidarios del país y enfurece a sus críticos”. Sin embargo, para citar a Simon Frith, «la música no puede ser verdadera o falsa, solo puede referirse a convenciones de verdad o falsedad». La única forma en que podemos hablar sobre el tiempo que pasamos en nuestras vidas es realmente a través de la narrativa, y estas historias sobre nuestras vidas están construidas y moldeadas por nuestra cultura y lenguaje, nunca es la verdad absoluta, sino un recuento en constante evolución de nuestro pasado, presente y futuros.

En términos sencillos, la música country está obsesionada con la idea de autenticidad, quizás más que otros géneros, no solo por su musicalidad (la habilidad involucrada en tocar instrumentos acústicos, por ejemplo) sino también por su narrativa: se supone que los artistas escriben e interpretan canciones sobre sus propias experiencias de vida. Las canciones country son idealmente biográficas, «la vida real de personas reales». Por tanto, el tipo de lenguaje que utilizan es crucial.

Como señala Fox, las preocupaciones temáticas de la música country, de la pérdida y el deseo, de la angustia, son experiencias intensamente privadas, pero se ponen al descubierto y se hacen públicas en canciones, listas para ser consumidas por el público. El lenguaje de estas canciones toma las formas sencillas, cotidianas y sencillas de hablar que usa la gente común, a menudo de clase trabajadora, y las intensifica en un estado metafórico, poético y antinatural, con un “uso denso y omnipresente de clichés y juegos de palabras «.

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«Bargain Store» de Dolly Parton, por ejemplo, usa su propio dialecto tanto líricamente como en la interpretación para reformular su vida de pobreza y su corazón roto, cosas que la gente a menudo mantiene en privado.

My life is likened to a bargain store/ And I may have just what you’re lookin’ for/ If you don’t mind the fact that all the merchandise is used/ But with a little mending, it could be as good as new.

Mi vida es como una tienda de gangas/ Y puede que tenga justo lo que estás buscando/ Si no te importa el hecho de que sea mercancía usada/ Pero con un poco trabajo, podría quedar como nueva.

Pamela Fox también considera cómo la canción country autobiográfica es diferente para las mujeres. Lejos de una perspectiva masculina o chovinista de una vida de trabajo dura y consumida por la bebida y los amores perdidos, las mujeres exitosas como Lynn, Parton y Tammy Wynette tienen identidades públicas en las que superan una vida anterior de dificultades y pobreza, particularmente los orígenes familiares en la minería del carbón, la aparcería o la recolección de algodón. Esta fuente de autenticidad es difícil de falsificar o debatir, en comparación con el supuesto vacío de una cómoda vida de clase media.

Y, sin embargo, escribe Fox, «uno no puede permanecer en el país por mucho tiempo si uno carece de raíces (y cambia lentamente la vida ordinaria por un mundo irreal de excesos y continuos desplazamientos)». En cierto modo, «las historias de éxito se clasifican como ‘fracasos’ de autenticidad del país claramente diferenciados: como celebridades trabajadoras, pierden no solo su pasado tradicional», sino el respeto público que acompaña al humilde mundo doméstico o materno sobre el que cantan, gracias a sus nuevas vidas de comodidad y éxito. Como dijo Dolly Parton: «Aunque por fuera parezco el árbol de Navidad de una drag queen, en el fondo soy una simple mujer de campo».

En cierto modo, la lucha de Swift con la percepción de la autenticidad es tan real y problemática como la que enfrentaron las mujeres que la precedieron, aunque Swift procede de la clase media alta y no de la pobreza.

El valor de las palabras

En «The Last Great American Dynasty», Swift escribe la historia de alguien que nunca conoció: la excéntrica y rica Rebekah Harkness de Rhode Island. Mientras Swift se inserta en el final de la narración, resulta que Harkness era dueña de la casa que Swift compró más tarde: “Cincuenta años es mucho tiempo/ Holiday House se sentó tranquilamente en esa playa”, agrega. «Libre de mujeres con locura, sus hombres y sus malos hábitos/ Y luego la compré yo».

La experiencia personal de Swift es un poco menos identificable porque nos recuerda, a la mayoría de nosotros, que no podemos simplemente comprar casas de vacaciones en una playa de Rhode Island. Y, sin embargo, los sentimientos de estar fuera de la norma, de no pertenecer y sentirse fuera de lugar, de ser criticado como loco, son ciertamente estados emocionales que todos podemos entender.

En la composición de las canciones en evolución de Swift, sobre otras personas o sobre ella misma, los eventos pueden estar fuera de nuestra experiencia, pero pueden ser igualmente sinceros a través del hábil uso del lenguaje. Y en esto podemos llegar a comprender lo que valen las palabras de Taylor Swift.

Fuente: Jstor/ Traducción: Alina Klingsmen

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