por PINAR DURGUN – Biblioteca y Museo Morgan de Nueva York
Cuando los amantes del arte antiguo quieren ver los mármoles del Partenón, muchos caminan por las calles de Londres, a menudo lluviosas, entran en el Museo Británico y se dirigen a las minimalistas galerías de tonos beige y gris donde se exhiben las controvertidas obras. El entorno dista mucho del lugar original de los mármoles, la famosa y deslumbrante colina de la Acrópolis de Atenas. Estos frisos y decoraciones escultóricas, tallados alrededor del siglo V a. C., representan festivales en honor a la diosa Atenea que alguna vez tuvieron lugar en el Partenón, un templo dedicado a ella. Entre 1801 y 1805, el embajador británico Lord Thomas Elgin retiró la mitad de las decoraciones escultóricas restantes y luego las vendió al Museo Británico, que exhibe los mármoles del Partenón a pesar de los reclamos de Grecia para que las devuelva.
Este no es un caso aislado. Muchas obras de arte antiguas e históricas originales en museos europeos y norteamericanos, como los mármoles del Partenón, provienen de áreas que alguna vez fueron colonizadas o explotadas por fuerzas imperiales o mandatos económicos. Los objetos arqueológicos se adquirían mediante intercambios de regalos o acuerdos entre gobernantes, diplomáticos, militares o empresarios; en el mercado de arte legal e ilegal; o mediante leyes que exigían que los objetos arqueológicos se dividieran entre los excavadores, los terratenientes y los gobiernos locales.
Países de todo el mundo están pidiendo que algunos de estos objetos y monumentos antiguos sean devueltos a sus hogares, un proceso que suele denominarse restitución. No se espera que se devuelvan todos los objetos arqueológicos. Los que se solicitan suelen ser símbolos de importancia nacional o histórica. Pero muchos museos se muestran reacios a desprenderse de estas famosas piezas. El resultado suele ser un punto muerto.
Sin embargo, en esta insistencia en los originales se encuentra una paradoja. Cuando los objetos antiguos se exhiben en museos, ya no cuentan las historias que contarían si se exhibieran en el lugar donde se exhibieron o utilizaron inicialmente. Incluso cuando un museo está cerca del sitio inicial, a menudo es difícil para los visitantes tener una idea real de la función y el significado de los objetos porque están separados de su contexto previsto.
Por otro lado, la gente es consciente de que el registro arqueológico y las colecciones de los museos están incompletos. Algunos objetos han sido destruidos por acciones humanas, desastres naturales o el paso del tiempo. Y los museos no pueden exhibir todos los objetos de una colección. Los pocos objetos que exhiben pueden estar respaldados por dioramas reconstruidos o modelos que los contextualicen. Por lo tanto, aunque los visitantes exigen ver los originales, paradójicamente aceptan que siempre hay un elemento de falta de autenticidad e incompletitud en las exhibiciones de los museos, sean o no originales los objetos.
¿Es posible que la solución a algunos casos de restitución resida en las actitudes paradójicas del público sobre la autenticidad y las copias? ¿Cómo podríamos, como público, transformar los museos si reconociéramos y aceptáramos plenamente los beneficios de las copias?
Las copias respetadas
Históricamente, la gente consideraba que las copias eran arte. Los artistas y creadores antiguos eran expertos en el arte de copiar. En la antigua Mesopotamia, por ejemplo, cuando se poseía un sello cilíndrico, se podían hacer infinitas copias de la imagen del sello haciéndolo rodar sobre una gran superficie de arcilla. Los mesopotámicos no siempre se preocupaban por la “originalidad”. La imagen o su copia pueden representar a quien o a lo que representa la imagen. En algunos casos, los artistas y escribas mesopotámicos copiaban el estilo de textos y objetos antiguos para que parecieran arcaicos. Incluso hacían copias ellos mismos para preservar la información.
La dicotomía entre “el original” y “la copia” es culturalmente específica. Tanto históricamente como en la actualidad, en países como China y Japón, la gente respeta las copias realizadas con arte tanto como los originales. En algunos casos, el valor de la copia y su original cambia con el tiempo o incluso se invierte.
Tomemos como ejemplo La gran ola, un famoso grabado del artista japonés del siglo XIX Katsushika Hokusai. Algunos expertos estiman que se han hecho alrededor de 8000 copias del original en madera, algunas de las cuales se encuentran en las colecciones del Museo Británico y del Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York. En la galería del museo, todas son tratadas con el mismo respeto que una pintura original en la actualidad, aunque en el momento de su producción se consideraban baratas.
Los escultores de la antigua Roma también son famosos por su arte de copiar. Muchas obras de arte griegas y helenísticas perdidas se conocen gracias a sus copias romanas. Las élites romanas decoraban sus villas, piscinas y jardines con estas copias, que aún hoy son muy valoradas por los museos y sus visitantes en todo el mundo.
En el siglo XVI, los moldes de esculturas clásicas (como los mármoles del Partenón) eran parte esencial de los estudios de escultura y pintura. Los talleres en Europa enviaban copias y moldes a través de fronteras y océanos a universidades y museos, y continúan haciéndolo hoy. Uno de estos talleres es el Gipsformerei de los Museos Estatales de Berlín, que ha estado elaborando copias de yeso de esculturas durante más de 200 años. Sus artistas pasan muchas horas recreando la forma, el material, el color y el brillo de las obras de arte originales. Es difícil, a veces incluso para un experto, distinguir las copias de los originales.
Antes de que los museos en América del Norte comenzaran a coleccionar obras de arte originales, construyeron sus colecciones de arte encargando copias de yeso a museos y talleres europeos. Las reproducciones de estatuas clásicas y renacentistas eran enormemente populares. ¿Alguna vez se han preguntado por qué muchas bibliotecas o institutos de arte en todo el mundo tienen copias de las esculturas más famosas del mundo? A medida que se fueron desenterrando y vendiendo en el mercado del arte objetos y obras de arte más antiguos, los grandes museos públicos ampliaron sus colecciones de originales y gradualmente regalaron, prestaron o vendieron sus copias en yeso.
Poco a poco, las copias comenzaron a caer en desuso debido a los cambios de actitud hacia la autenticidad. El mundo del arte pasó a “basarse en la creación artificial de escasez”, escribieron el difunto antropólogo David Graeber y la artista Nika Dubrovsky en “Another Art World”. En un orden mundial capitalista, el valor se basa en la escasez. Además, la invención de la fotografía y el cine tuvo un impacto en la producción de facsímiles y permitió que las masas disfrutaran del arte como nunca antes. Estos facsímiles desafiaron el interés capitalista en el original, pero aumentaron el valor de los originales al copiarlos.
De manera similar, con el creciente uso de imágenes generadas por IA en la actualidad, las copias exactas causan ansiedad en algunos visitantes de los museos en lugar de admiración. Algunos dicen que las copias los hacen sentir “engañados”, incluso cuando las etiquetas las identifican como copias. Muchos expertos, incluidos teóricos críticos y profesionales de museos, siguen sosteniendo que los objetos antiguos originales tienen su propia “aura”. Y, en cierto modo, la tienen. La gente los fabricó, utilizó y, a veces, descartó por muchas razones emocionales y personales diferentes; tocaron y dejaron sus huellas dactilares en los objetos.
Pero, ¿por qué eso tiene que significar que la gente no puede tener experiencias significativas con copias de estos objetos? ¿Por qué hay tanta gente en contra de exhibir copias que permitirían que más público disfrute y aprenda de los objetos antiguos?
Los múltiples beneficios de las copias
En Mumbai, India, el programa “Museo sobre ruedas” del Museo Chhatrapati Shivaji Maharaj Vastu Sangrahalaya utiliza copias de manera maravillosamente eficaz: dos autobuses que exhiben réplicas de objetos antiguos y especímenes naturales viajan por las zonas rurales de la región, lo que permite a los estudiantes y las comunidades locales visitar una exposición. Su lema es: “Si no puedes venir al museo, el museo vendrá a ti”. Esto solo es posible porque las copias pueden viajar en un autobús, y los originales no.
El yeso o las copias impresas en 3D, de un costo relativamente bajo, pueden brindar a las personas detalles sobre la escala y los procesos de fabricación de estos objetos antiguos. Y la ventaja es que podemos interactuar con ellos de maneras que no podemos con los originales guardados detrás de vitrinas o cuerdas. Muchos objetos arqueológicos en exhibición fueron hechos para ser sostenidos, no para ser vistos en un pedestal. Por razones de conservación, incluso los profesionales de los museos no pueden tocar los originales sin guantes y otras medidas de protección. Pero todos podríamos tocar e incluso sostener copias.
Algunos museos ya están utilizando réplicas táctiles para brindar a los visitantes ciegos o con visión parcial una experiencia táctil de sus colecciones. Además, las copias pueden ser herramientas útiles para enseñar sobre el contexto arqueológico. Por ejemplo, una versión impresa en 3D de un molde de pan antiguo podría usarse para hornear, ayudando al público a aprender a través de la arqueología experimental. Los modelos 3D también podrían ir acompañados de reconstrucciones digitales del sitio de donde provienen, lo que permite a los visitantes ver el objeto en su entorno previsto.
Actualmente, los museos que exhiben copias generalmente solo brindan información en la etiqueta sobre el original. En lugar de ello, también podrían discutir por qué y dónde se hizo y adquirió la copia. En los casos en que el original haya sido devuelto a su lugar de origen, la copia podría complementarse con información (escrita, en audio o en video) que cuente la historia de la restitución del objeto.
En 2011, el Museo del Antiguo Oriente Próximo de Berlín, uno de los tres departamentos que alberga el famoso Museo de Pérgamo, devolvió a Turquía una esfinge de la puerta excavada por los alemanes en Hattusa, la antigua capital hitita, después de las insistentes peticiones del gobierno para su devolución. La Gipsformerei construyó una copia de la misma. Se exhibió en el Museo de Pérgamo antes de su cierre temporal junto a su pareja, que también es una copia, realizada en 1933.
Hoy en día, la esfinge original devuelta se exhibe en el Museo Boğazköy en Çorum, a unos 15 minutos a pie de Hattusa (pueden visitar el museo virtualmente para ver la esfinge). Por razones de conservación, copias de estas esfinges hititas también adornan el sitio arqueológico de Hattusa donde alguna vez estuvieron las originales. Las copias ahora son parte de la compleja historia del objeto.
Repensando las copias y los originales
Hoy en día, las instalaciones de arte inmersivo están apareciendo por todas partes, presentando obras queridas de Claude Monet, Vincent van Gogh, Frida Kahlo y más. Miles de personas pagan altas tarifas de entrada para ser envueltos por imágenes digitales que los hacen sentir como si estuvieran dentro de sus pinturas favoritas. Excepto que no hay una sola pintura en estas exhibiciones. Apaguen la energía y estarán parados en una caja negra.
En el futuro, es probable que los museos sigan incluyendo más arte digital. El artista Refik Anadol está trabajando actualmente en un museo y una plataforma web dedicados a la visualización de datos y las artes de la inteligencia artificial.
Si nos conformamos con no ver pinturas originales de Monet en una exposición sobre Monet, podemos aceptar ver copias de objetos antiguos en museos, especialmente cuando eso significa que algunos de los originales pueden devolverse a los lugares donde fueron creados. Exigir poder visitar un museo convenientemente ubicado en cualquier momento y ver objetos antiguos originales que se hicieron en el extranjero proviene de un lugar de derecho y sentimientos de superioridad.
Copias y moldes de los mármoles del Partenón están en exhibición en el Museo de la Acrópolis de Atenas y en el museo de la réplica del Partenón en Nashville, Tennessee. De hecho, ya hay copias en las galerías del Museo Británico.
Algunos pueden argumentar que si se pueden hacer y apreciar copias exactas, ¿por qué no se podrían enviar copias de regreso a sus lugares de origen y guardar los originales en museos en el extranjero? Esto plantea otras preguntas: ¿Quién es dueño del pasado? ¿Quién tiene voz y voto sobre el lugar al que pertenecen los objetos?
Lo ideal sería que las comunidades de descendientes, comunidades patrimoniales y comunidades locales determinen la ubicación de los originales y las copias en colaboración con expertos en patrimonio y arqueología que puedan proporcionar más información sobre la procedencia, el contexto y la conservación. Sin embargo, las decisiones sobre la restitución suelen estar en manos de los líderes de los museos y los funcionarios gubernamentales en el poder, y a menudo están determinadas por leyes locales e internacionales.
Por lo tanto, es fundamental debatir este dilema en la esfera pública porque, como público, podemos marcar la diferencia. Lo que valoramos como público puede perpetuar la demanda de originales o crear un atractivo generalizado para las reproducciones y la restitución.
¿Cómo se sentirían si visitaran un museo sabiendo que algunos de los objetos en exposición son copias y que sus originales fueron devueltos a los lugares donde se fabricaron?
Fuente: Sapiens/ Traducción: Camille Searle